Methode Acteur par STF

De Entropy killed the Cat [Studio].

Le jeu d'acteur du point de vue d'un animateur - par STF - lacrymosa æterna industry

Sommaire

Avant propos

Dans le cadre de la réalisation du court métrage "Marchand de Sable", courant aout 2011, j'ai tenté de découvrir une méthode assez simple pour à la fois former et communiquer avec mes acteurs.

Il se trouve cependant que je n'ai absolument aucune notion de ce que représente le jeu d'acteur, ni aucune véritable expérience dans le domaine. Ce que j'ai, c'est une expérience dans le domaine de la pratique vocale et de l'animation 3D.

Ce petit document est donc une tentative de mettre sur papier des notions basique de ce que je peux chercher chez un acteur et des méthodes basiques pour y arriver.

Qui suis-je ?

La question primordiale, à mon sens, dans le cadre de la réalisation d'un acteur, que ce soit pour une pièce de théâtre, un film ou tout autre performance c'est de se placer dans le contexte. Ce que j'entends par là, c'est apprendre en tout premier lieu à s'abandonner. "La personne que j'interprète doit se mettre à ma place" Dans ce cadre, il faut savoir faire place à un autre égo et s'effacer soi-même. Le travail d'acteur est avant tout un état d'esprit. Un acteur qui craint de disparaitre ou de paraitre quelque chose qu'il n'est pas nécessairement (le plus souvent, ridicule) va se retrouver dans la position délicate d'être dans l'incapacité de laisser place à la personnalité de son rôle. Il se trouvera donc dans la totale impossibilité de jouer des rôles différents de son caractère naturel.

La toute première chose est donc de pouvoir s'abandonner. Pour certain, il s'agit de prendre confiance en soi. Pour d'autres, il est plus important d'avoir d'abord confiance en les autres. Le premier lieu de l'acteur débutant doit donc être un cercle de confiance, où l'acteur doit se sentir libre de paraitre bête.

Au final, plus que la technique, le lâcher prise est la toute première étape à franchir pour l'acteur. Lâcher prise de sa vie, de son apparence, de son passé afin d'adopter ceux du personnage, ne serait-ce que pour un temps. Comprendre et accepter que l'acteur n'est pas le personnage, mais que leurs points communs sont plus nombreux que leurs différences permettra à l'artiste de se positionner sans crainte dans la tâche à effectuer.

La contradiction

Avant d'aborder la notion de mouvement, il convient de souligner la contradiction qui incombe au travail d'acteur. En effet, il faut que ce dernier soit dans le lâcher prise, mais conscient de son corps, de son texte, de son action, de sa motivation... Pour certain acteur, cette dissociation peut apparaitre comme improbable, mais elle est vitale. Le corps de l'acteur doit servir de conducteur à l'esprit du personnage.

Cette contradiction se retrouve fréquemment chez l'élève conducteur. Or, chaque conducteur sait pertinemment que même si, changer les vitesses et connaitre les pédales est une affaire vitale sur la route, au bout de quelques secondes assis au volent, il oubli toute forme de technique et se concentre sur la route et la circulation, comme si la voiture faisait désormais partie d'une extension de son corps.

C'est exactement ce que l'on demande à l'acteur. D'avoir cette faculté de diriger un personnage sans être sans cesse en train de penser à la position de son corps ou à l'expression sur son visage et pour cela, il est nécessaire d'acquérir une technique.

Attitude

Pour moi, qui suis animateur, la personnalité d'un personnage passe avant tout par la manière de laquelle il se tient. Dans la vie de tous les jours, difficile de considérer notre position et pourtant, elle définie avant même l'expression sur notre visage le langage de notre corps (et donc notre état d'esprit).

A mon sens, le choix de la posture doit être la seule action consciente de la part de l'acteur et ce avant chaque prise. Elle définira quasi automatiquement, un état mental et initie un mouvement dans le corps qui explicite l'intention du personnage.

L'attitude - comme je l'entends - vient avant tout du placement du dos du cou. Ce positionnement est un travail à faire régulièrement pour pouvoir le choisir sur le tournage et rester en position tout le long de la scène.

Respiration

Si l'attitude du personnage permet de projeter un état d'être, une forme de personnalité générale du personnage, la respiration permet de projeter un état ponctuel. Il est donc important de guider l'acteur vers une maitrise consciente de sa respiration.

Voix

La voix est l'outil le plus sous-estimé à la disposition de l'acteur, mais il est surtout le plus difficile à accéder. La voix n'est pas seulement utile pour dire un texte, mais elle est également vitale pour transcrire une émotion un état d'âme. On peut abstraitement la diviser en deux partie : La forme et la force. La forme peut représenter des choses aussi diverses que l'accent régional du personnage, s'il zozote, bégaie, parle du nez... La force est en lien direct avec l'émotion du moment. La voix est donc comparable à l'attitude corporelle et peut être divisée en deux partie : une partie constante et invariable pour le personnage, et une partie volatile et dépendante du contexte de la scène.

Agir, Réagir

Une fois la voix et la corporalité du personnage mis en place et acquis par l'acteur, le jeu ne dépend plus que de la situation. Dans une situation donnée l'acteur se doit de se poser deux questions :

  1. Quels sont les motivations du personnage (à la fois à ce moment et en général) ?
  2. Quelle est la réaction du personnage à l'environnement actuel. Il peut se trouver dans un dialogue, dans une course à pied ou dans une situation incongrue, comment réagit-il alors ?
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